Живопись
Живопись XVIII в.
В мире изобразительного искусства утверждение светских начал произошло на редкость мирно и органично, не вызвав того ожесточенного сопротивления, которое встретили другие начинания Петра.
Вместо условных приемов иконописи в практику вошли законы правдивого изображения видимого мира. Искусство начала XVIII в. стремилось говорить на общеевропейском изобразительном языке. Искусство становится светским и общегосударственным делом.
В русской живописи XVIII в. наиболее значительную роль играл портрет. В нем были еще сильны влияния старой парсуны или “персоны”. Примером тому может служить “Портрет Я.Ф. Тургенева” работы неизвестного художника XVIII в. Постепенно освобождаясь от традиций парсуны и схематизма иконописной манеры, портрет начинает все глубже передавать внутреннее содержание человека.
В первой четверти XVIII в. широко практиковалось пенсионерство (обучение за границей). Среди художников-пенсионеров наиболее известны И. Никитин и А. Матвеев. В творчестве И. Никитина наиболее значителен “Портрет напольного гетмана” (1720-е гг.) с большим реалистическим мастерством запечатлевший образ современника.
О таланте и мастерстве художника говорят также портреты Г.И. Головкина, Г.С. Строганова. Искусство Никитина – вершина в истории развития русской живописи первой половины XVIII в. Никому из его современников не удалось достичь такого глубинного проникновения в существо человеческой психологии, такого высокого профессионального мастерства.
Творчество А.Матвеева – также убедительный пример успехов русской портретной живописи. В картине “Автопортрет с женой” (1729 г.) художнику удалось тонко передать красоту и чистоту чувств юной пары.
Мастера изобразительного искусства хотят понять и верно показать строение тела, выражение лица, особенности темперамента портретируемого. Вводится техника масляной живописи, в искусстве культивируется станковая картина, монументальная роспись в виде панно и плафонов, а также миниатюрное письмо. Портрет включает все известные разновидности: парадный, камерный, костюмированный, двойной, парный. Осваиваются аллегорические и мифологические сюжеты, все это говорит о возникновении живописи нового типа.
Наиболее распространенными были парадный и камерный портреты. Для парадного портрета характерны приподнятость (даже пафос), пышность, подчеркнутое величие. Огромна роль аксессуаров; передается не только характер, но и социальное положение портретируемого. Парадный портрет, как правило, довольно плоскостен, часто вводится пейзажный задник. Крупнейшие художники-портретисты середины и второй половины XVIII в. И.Я. Вишняков (портреты Фермор), А.П. Антропов (портреты А.М. Измайловой, статс-дамы при дворе Елизаветы Петровны и Петра II), И.П. Аргунов (“Портрет неизвестной крестьянки”).
Значительных успехов достигнет гравюра. Примером связи искусства с жизнью России тех лет служат гравюры, самый распространенный, быстрее всего откликавшийся на происходившие события вид искусства. Они представлены оформлением и иллюстрацией книг и самостоятельными, почти станковыми листами. В гравюрах преобладали батальные сюжеты и городской пейзаж, порожденные военными событиями и строительством Петербурга. Петр I вызвал в Россию граверов, преимущественно из Голландии. В их числе были А. Шхонебек (или Схонебек) и сопровождавший Петра в походах П. Пикарт.
Крупнейшим русским гравером XVIII в. был А.Ф. Зубов, использовавший в основном смешанную технику – офорт с резцом. Для художника характерно стремление показать новое, появляющееся и утверждающееся, свидетельствующее об изменениях в общественной и частной жизни России. Зубов хотел быть возможно более точным. Владея мастерством линейного перспективного построения, он достоверно передавал особенности зданий и садов, умел развернуть глубокую и широкую панораму Васильевского острова и северных окраин Петербурга позади нарядного здания дворца Меншикова в “Гангутском триумфе”. Самая известная работа А. Зубова “Панорама Петербурга” (1716 г.) необычна по сложности и величине (восемь объединенных вместе листов).
Старший брат художника – И.Ф. Зубов – работал в Москве. Лучшая из его гравюр – “Вид Измайлова”. Главным центром гравирования сначала была Оружейная палата, а с 1711 г. – Санкт-Петербургская типография. Именно в ней работал А. Зубов. Известными графиками XVIII в. были А. Ростовцев (“Сюита фейерверков”), М. Махаев, автор большого числа видов Москвы, Петербурга, пригородов.
Живопись второй половины XVIII в.
Крупнейшие портретисты этого времени – Ф.С. Рокотов, Д.Г. Левицкий, В.Л. Боровиковский. Они внимательно и заинтересованно передают внешность модели. В лучших вещах сходство внешнее дополняется уловленными чертами характера. Портреты Ф. Рокотова “Портрет поэта В.И. Майкова”, «Портрет А.П. Струйской”, – отмечены интересом к внутреннему миру человека, колористическим богатством живописи, такой человеческой и лирической глубиной, которая до него не была свойственна русской портретной живописи.
Блеском живописного мастерства и полнотой жизненных характеристик отмечаются работы Д.Г. Левицкого, создателя парадного портрета (“Портрет архитектора А.Ф. Кокоринова” (1769 г.), “Портрет Екатерины II законодательницы” (1778 г.). Левицкий является и мастером камерного портрета (“Портрет М.А. Дьяковой” (1778 г.). К высшим достижениям мастера принадлежат семь портретов “Смольнянок” (1772-76 гг.). Искусство В.Л. Боровиковского тесно связано с эстетикой сентиментализма, когда “чувствительность” стала модной (“Портрет М.И. Лопухиной” (1797 г.), “Портрет Е.Н. Арсеньевой (втор. пол. 1790-х).
В искусстве XVIII в. приобретает самостоятельность изображение природы. Пейзаж развивается как отдельный жанр, видными мастерами которого были С. Щедрин, М. Иванов, Ф. Алексеев. Двое первых часто изображали окрестности Царского Села, Павловска, Гатчины, передавали впечатления путешествий по Италии, Швейцарии, Испании. Русским столицам, Петербургу и Москве, посвятил много произведений Ф. Алексеев, который учился в Императорской Академии художеств, а затем совершенствовался в Венеции. “Вид Дворцовой набережной и Петропавловской крепости” – одна из самых известных его картин, которая передает просторы невских берегов, разнообразную игру света на воде, строгую красоту дворцов классической архитектуры.
Вопрос о создании Академии Художеств возник еще при Петре I. Она была основана по проекту графа И.И. Шувалова и 6 (17 ноября) 1757 г. открыта. Но после воцарения Екатерины II датой её основания указано было считать 1764 г., чтобы честь открытия принадлежала императрице.
В живописи того времени, прежде всего, развиваются те разделы, в которых была потребность. К первым причислялись портреты, под вторыми подразумевали различные произведения: баталии, мифологически-аллегорические композиции, декоративные панно, религиозные изображения. В первой половине XVIII в. лишь начинает складываться понятие жанрового многообразия. Историческая живопись тоже делала свои первые шаги, прославляя величие свершавшегося. Как отдельный жанр историческая живопись утвердилась в России около 1750-х гг. и была связана с творческой практикой Академии художеств.
Выше всего в Академии ставился исторический жанр (изображение событий, связанных с историей, сюжетов из легенд, христианской и античной мифология), основоположником которого был А.П. Лосенко. Значение творчества А.Лосенко в том, что он впервые обращается к сюжетам из русской истории, устанавливая ее равноправие с общезначимой историей античного мира (“Владимир и Рогнеда” (1770 г.)).
Проникновенное, поэтичное, совершенное по живописи искусство XVIII в. отражало гуманистические идеалы просветительства с его высоким представлением о духовной ценности человека.
Живопись первой половины XIX в.
Неповторимое обаяние искусства этого периода – в высокой заданности его идеалов и гармоничном мировосприятии. Эта эпоха богата большими открытиями, блестящими мастерами.
Перв. четв. XIX в. была ознаменована патриотическим подъемом, связанным с победоносными антинаполеоновскими войнами и движением декабристов. Атмосфера подъема отразилась в национальной художественной культуре поисками более свободных, чем раньше, тем и образных решений.
В конце 20-х-40-е гг. романтизм на русской почве пережил новый этап развития. Проявлением присущего ему историзма мышления был и расцвет исторической живописи в 30-50-х гг. Примеры тому можно видеть в творчестве К.П. Брюллова, Ф.А. Бруни и А.А. Иванова.
Огромное дарование К. Брюллова (1799-1852 гг.) повлияло на многие стороны русского искусства. Наряду с А. Ивановым и П. Федотовым, К. Брюллов является крупнейшим художником эпохи. Он прославился, прежде всего, как автор знаменитой исторической картины “Последний день Помпеи” (1830-33 гг.), исполненной им в Италии. Художник изобразил драматическую картину гибели античного города. Стихия с уничтожающей силой обрушилась на человека и творения его рук. Две темы переплетаются в произведении Брюллова: тема гибели, разрушения и тема необычайной высоты человеческого духа, тема любви и самопожертвования. Картина была выставлена в Милане, Париже, Москве, Петербурге. Для современников ее появление было событием.
Еще раньше в поисках живописных и полнокровных образов Брюллов обратился к жанровым сюжетам, таким как картина “Итальянский полдень”. Но наиболее ярко многосторонний талант художника раскрылся в портретном жанре. “Портрет писателя Н.В. Кукольника” (1836 г.), “Портрет археолога М.А. Ланчи” (1851 г.) – создания зрелого мастера, сочетающие романтическую сочность цвета с реалистическим анализом характеров, вершина мастерства художника. “Автопортретом” (1848 г.) Брюллов как бы подводит итог всему созданному.
Видным мастером академической живописи, соперничавшим с Брюлловым, был Ф. Бруни (1799-1875). В большинстве его работ присутствуют религиозно-мистическое начало, романтическая экзальтация, сентиментальность, доходящая до салонной красивости. Это работы “Медный змий”, портрет писательницы княгини Зинаиды Александровны Волконской в костюме Танкреда, “Вакханка, поящая Амура”.
В процессе работы над своим главным трудом, исторической картиной “Явление Христа народу” (1837-57 гг.), Иванов создал множество портретных и пейзажных этюдов. Художник-философ, А. Иванов стремился к глубинному постижению образов. Отсюда необычайная значительность каждого человеческого лица, каждого пейзажного мотива. Это огромное полотно оказалось не только сознательным синтезом достижений мирового искусства, но и открыло новую фазу в развитии мирового пейзажа. Творчество А.Иванова, выходя далеко за пределы романтических идеалов эпохи, являет собой мощное выражение реалистической направленности русского искусства середины XIX в.
Время несло с собой новые романтические идеалы, с особенной яркостью воплотившиеся в портрете и пейзаже. 30-40-е гг. XIX в. – это пора становления романтизма.
Основная линия романтического портрета в России представлена О.А. Кипренским (1782-1836 гг.). Его героям свойственно выражение напряженной духовной жизни. Портреты военных участников антинаполеоновской кампании полны энергии и внутреннего достоинства, органически слитого с чувством воинской чести (“Портрет полковника лейб-гусарского полка Е.В.Давыдова, 1809 г.), карандашные портреты участников Отечественной войны). А поиски обобщенного образа 20-х гг. нашли наиболее глубокое продолжение в «Портрете А.С. Пушкина» (1827 г.). Реалистически, без тени идеализации, выявлена характерность уникального типа лица, романтическая атмосфера одинокой “беседы с музами”, классическая схема скульптурного бюста. О. Кипренский отказывается от репрезентативного портрета XVIII в., он утверждает внесословную ценность личности. Романтизм нашел свое выражение в пейзаже и работах художников-маринистов.
Интерес к народной жизни, к простой естественной природе вызвал расцвет бытового жанра и пейзажа. В портрете постепенно ослабевает интерес к парадным формам. Простотой и натуральностью отмечены портреты художника В.А. Тропинина (1776-1857 гг.), содержащие характерные для времени черты жанровости. Он создает особый вид жанровой картины – поясное изображение человека, занятого каким-либо привычным делом («Кружевница», «Гитарист»).
Картины из крестьянского быта и портреты крестьян раскрывают человеческое достоинство народа, его жизнь в труде, в гармонии с природой. А.Г. Венецианову (1780-1847) принадлежит заслуга утверждения бытового жанра как самостоятельного и полнокровного вида живописи. Тематика живописи А.Венецианова национальна и демократична («Гумно», «На пашне. Весна”, «На жатве. Лето»). Пейзажи художника – первое в русской живописи правдивое изображение мотивов среднерусского пейзажа, золотых полей ржи, мягких трав, деревенских изгородей, крытых соломой сараев. Все это делает А. Венецианова родоначальником русского лирического пейзажа.
В 40-50-е гг. XIX в. искусство начинает ориентироваться на мировую демократическую аудиторию. Возрастает роль печатной графики и иллюстрации. Одним из ярчайших представителей бытового жанра в живописи первой половины XIX в. считается П.А. Федотов (1815-52 гг.), которому присуши глубина постижения жизни, ее драматической сути. Наиболее полно раскрылся талант художника в жанровой живописи, где он прошел путь от карикатурных сюжетов, перегруженных деталями (“Свежий кавалер”, “Разборчивая невеста”), к трагическим и лаконичным образам (“Сватовство майора”).
Искусство художника служило образцом для нескольких поколений русских живописцев: передвижники восприняли и развили критический пафос его творчества, а художники рубежа XIX – XX вв. – драматизм и метафоричность. В творчестве П.А. Федотова бытовой жанр обретает сатирическую силу. Картины “Завтрак аристократа” (1849-51 гг.) и “Вдовушка” (1851 г.), по-разному, но одинаково остро и точно раскрывают социальные и человеческие драмы. “Анкор, еще анкор!” (ок. 1851 г.). К концу сер. XIX в. на первый план выходит аналитический метод, который станет основой исканий в искусстве второй половины XIX в.
Живопись второй половины XIX в. Передвижники
Характерные черты демократического искусства этого периода сосредоточили в своем творчестве художники, объединившиеся в 1870 г. В Товарищество передвижных художественных выставок. Признанным лидером объединения был И.Н. Крамской (1837-87), художник, педагог, критик и теоретик, обосновавший основные принципы русского реализма. Почти все лучшие художники того времени входили в объединение, наиболее интенсивно и плодотворно действовавшее в 1870-80-е гг.
Собирателем и пропагандистом произведений передвижников был основатель первого национального музея русского искусства московский купец П.М. Третьяков (1832-98). Идеалы общественного служения обусловили концепцию собирательской деятельности Третьякова. В галерее находятся многие прижизненные портреты выдающихся представителей отечественной культуры, имеющие огромную иконо-графическую и художественную ценность, исполненные И.Н. Крамским, В.Г. Перовым, Н.Н. Ге, И.Е. Репиным, Н.А. Ярошенко и др.
Важнейшее место в творчестве передвижников занимает жанровая живопись. Наиболее одаренные из них органически влились в Товарищество (В.Г. Перов, И.М. Прянишников и др.). В.М. Максимов и Г.Г. Мясоедов посвятили свои картины крестьянской теме, В.Е. Маковского привлекала жизнь различных городских сословий.
Картина Н.Н. Ге (1831-94) “Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе” обращена к психологической коллизии прошлого. Евангельская тема занимала важное место в искусстве передвижников. Среди наиболее значительных произведений работы И.Н. Крамского (“Христос в пустыне”, 1872) и Н.Н. Ге (“Голгофа”, 1893). Вслед за А.А. Ивановым они истолковывают “евангелие в современном смысле”, утверждая новые связи между “вечными проблемами” и нравственными ценностями своей эпохи. Особенно многочисленной группой в Товариществе были пейзажисты. Широкой известностью и любовью и ныне пользуются картина А.К. Саврасова (1830- 97) “Грачи прилетели”, эпические полотна И.И. Шишкина (1832-98) – “Рожь, (1878), “Утро в сосновом лесу” (1889), романтические пейзажи А.И. Куинджи (1841-1910) “Березовая роща” (1879), “Ночь на Днепре” (1882). Исключительный творческий дар И.И. Левитана (1860-1900) позволил ему передать различные состояния жизни природы и выразить глубокие человеческие переживания (“После дождя. Плес”, 1889, “Над вечным покоем”, 1894).
Особое место в искусстве этого периода принадлежит ряду художников, не входивших в Товарищество, но испытавших воздействие реалистических принципов передвижнического искусства. Среди них непревзойденный маринист И.К. Айвазовский (1817-1900), автор поэтических пейзажей Ф.А. Васильев, мастер батальных картин В.В. Верещагин (1842-1904).
Среди художников XIX в. встречаются такие, для которых пейзаж является лишь одной стороной их творчества. К ним относится В.Д. Поленов (1844-1927). Его работы “Московский дворик” (1878), “Заросший пруд”, “Бабушкин сад” и ряд других вошли в историю русского пейзажа. Высокие проблемы морали ставит Поленов в других своих полотнах, например, “Христос и грешница (Кто без греха?)”.
1880-е гг. знаменуют новый этап развития передвижнического направления, связанного, прежде всего, с именами И.Е. Репина, В.И. Сурикова, В.М. Васнецова. Различными путями шли они к решению общей для них народной темы. И.Е.Репина (1844-1930 гг.) волновали современные ему сюжеты. В портретном творчестве он продолжал развивать демократическую традицию, передавая в каждом образе неповторимые индивидуальные черты (портрет М.П. Мусоргского, 1881 г.; портрет Л.Н. Толстого, 1887 г.).
В.И.Суриков (1848-1916) – мастер монументальных исторических композиций, где показаны волнующие картины народных трагедий, раскрыты могучие человеческие характеры (“Утро стрелецкой казни”, 1881 г.; “Меншиков в Березове”, 1883 г.; “Боярыня Морозова”, 1887).
В творчестве В.М. Васнецова (1848-1926) сказались поиски выражения национального своеобразия народной жизни, характера, истории. Художник обращается к былинному эпосу, к фольклору. “Аленушка” (1881 г.) была первой картиной в русском искусстве, в которой поэзия и красота сказочного мотива были раскрыты в тесной связи с поэзией природы.
Разные по своим творческим индивидуальностям мастера второй половины XIX в. вписали яркую страницу в историю русской живописи. Эта эпоха во всех сферах социальной и духовной жизни была эпохой переломной. Россия шла к революции. В 80-е гг. передвижников уже рассматривают как явление, пережившее свою лучшую пору. Репин, Маковский, Шишкин, Куинджи – профессора Академии художеств. Это время поисков гармонии и красоты не в окружающем мире, а вовне. Сознание, что красота “не от мира сего”, что она творится за счет внутренних ресурсов искусства и фантазии, выражалось в тяготении к сказочным, аллегорическим или мифологическим сюжетам (В. Васнецов “Богатыри”, 1898 г.; М. Нестеров “Видение отроку Варфоломею”, 1889-90 гг.).
Искусство оставалось отгороженным от действительности стенами музея. Художники конца века принимают формулу приближения искусства к жизни в прямом значении как задачу преобразования всей материальной среды. Картина должна выйти из музея, стать принадлежностью быта, наряду с обиходными вещами и архитектурой. Она должна быть созвучна окружающей среде, составлять с ней единый ансамбль. Это единство обеспечивает стиль, дающий закон формообразования, пронизывающий всю область пространственных искусств, стиль, к созданию которого были направлены усилия художников конца XIX в. В России этот стиль получил название модерн.
Модерн в изобразительном искусстве
При упоминании о модерне предстают силуэты костюмов и шляп, текучие, струящиеся линии дамских платьев, книги и журналы, набранные особым шрифтом с “капризным” очертанием литер, сплетающихся в прихотливый орнамент, рисунок блеклых увядающих лилий и ирисов, покрывающий ткани и обои, афиши театральных спектаклей, художественных выставок, броши в виде стрекоз и т.д. Модерн имел свой особый пластический язык. Произведения модерна (живопись, графика, архитектурные сооружения, ювелирные изделия, афиши и поздравительные открытки) активно вторгались в окружающую среду, в сознание обитателей, отражая не только духовную атмосферу времени, но и влияя на нее. Модерн и культурное самосознание человека той эпохи – это и проблема искусства того времени, и способность нового
стиля воздействовать на предметную и духовную среду. Модерн как стиль был “желаемым, вожделенным, изобретенным”.
В начале ХХ в. существует целый калейдоскоп художественных группировок и эстетических платформ. Наиболее крупными из них были: “Мир искусства” (1898-1910), “Союз русских художников” (1903-10), “Голубая роза” (1907), “Бубновый валет” (1910-16). Русский авангард оставил яркий след не только в отечественной, но и в западноевропейской живописи.
«Мир искусства» (1898-1910) – объединение художников, созданное в Петербурге в конце XIX в., заявившее о себе журналом и выставками, от имени которых получило свое название. В 1898 г. в музее училища барона Штиглица усилиями С.П. Дягилева была организована первая художественная выставка “Русских и финляндских художников”, в том же 1898 г. возник и журнал “Мир искусства”. Главную роль в объединении играли А.Н. Бенуа (1870-1960) – художник, историк искусства, критик, идеолог и теоретик “Мира искусства” и С.П. Дягилев (1872-1929), одаренный музыкант, художественный деятель и талантливый организатор. Знаменитые «Дягилевские» или «русские» сезоны – одна из ярчайших страниц русского искусства ХХ в.
В “Мир искусства” в разное время входили почти все передовые художники: Л. Бакст, А. Бенуа, М. Врубель, А. Головин, М. Добужинский, К. Коровин, Е. Лансере, Н. Рерих, М. Нестеров, В. Серов, К. Сомов и др.
“Мир искусства” – это история сложного культурно-эстетического движения, которое заново переоценило все устоявшиеся ценности русского изобразительного искусства, определило новые пути русской художественной жизни. Лозунгом “мирискусников” было “искусство для искусства”, в том смысле, что художественное творчество само в себе несет высшую ценность и не нуждается в идейных обоснованиях. Кумирами мирискусников были Вагнер, Достоевский, Ибсен, Чайковский, Глинка, Шопен, Бизе. Они ценили прозу немецких романтиков и боготворили Пушкина. Они были апологетами русского европеизма. В их среде процветал «культ Петра I как основоположника новой европеизированной русской культуры; культ Петербурга как средоточия этой культуры, культ Пушкина как самого значительного и типичного выразителя всего “петербургского периода” русской истории».
С точки зрения художественного метода “типичных” мирискусников, они больше синтетики, чем аналитики, графики, чем живописцы. Отсюда рассудочность, ирония, игра, декоративизм. Рисунок, живопись, подчинялись декоративно-графическому началу. Это объясняет и тяготение к синтезу различных видов и жанров искусства: соединению в одной композиции пейзажа, натюрморта, портрета или исторического этюда; включение живописи, скульптуры, рельефа в архитектуру, стремление использовать новые материалы, “выход” в книжную графику и музыкальный театр.
Рубеж 1900-10 гг. – переломный в русском искусстве. В это время формируется “авангардная” живопись, дерзко противопоставившая романтическим идеалам предшественников свое представление о прекрасном, основанное на традициях “неоклассического” архаического или фольклорного искусства, на открытиях фовистов и кубистов.
Целый спектр направлений связан с именами М.Ф. Ларионова, Н.С. Гончаровой, Д.Д. Бурлюка, создателей неопримитивизма, лучизма, футуризма. В 1910 г. вместе с П.П. Кончаловским, И.И. Машковым, А.В. Лентуловым они организовали выставку “Бубновый валет”. Другим центром стал “Союз молодежи”, где экспонировались работы П.Н. Филонова, О.В. Розановой, М.З. Шагала и др. Увлеченные современными урбанистическими ритмами, художники передавали их с помощью кубистических сдвигов формы. Аналогично трактовались природа и человек (Ю.П. Анненков, В.Е. Татлин). Следующим шагом на пути к абстрактной живописи стали композиции из “обломков” расчлененных предметов (О.В. Розанова). В 1914-15 гг. появляются супрематизм (К.С. Малевич, И.В. Клюн) и конструктивизм (В.Е. Татлин, Л.С. Попова, А.М. Радченко), где место разрушенной реальности заняли новые, отвлеченные геометрические формы, имеющие символико-знаковый или материально-практический характер. Реакцией на крайности авангарда стало возвращение ряда мастеров к классической традиции, с которой сочетались то элементы кубизма (Б.Д. Григорьев), то ориентация на иконопись (К.С. Петров-Водкин).
Живопись этой поры по сей день являет неисчерпаемый источник художественных идей, пример духовной свободы и творческого поиска.
